'DR. Semmelweis' Rezension: Mark Rylance übertrifft eine Rote-Biografie

Von David Benedict

Alle Elemente sind da: eine vergessene, aber faszinierend tragische, wahre Geschichte über eine weltverändernde medizinische Entdeckung, die Millionen das Leben rettete; eine groß angelegte Produktion mit großer Besetzung, darunter Tänzer und Bühnenmusiker; und Mark Rylance auf der Bühne in einer kompromisslosen Performance. Doch trotz der bemerkenswert heftigen Energie aller Beteiligten, allen voran Rylance, ist das Biodrama „Dr. „Semmelweis“ erweist sich letztlich eher als nervig als aufregend.

Man könnte meinen, dieses Stück über einen eigenwilligen, missverstandenen Retter inmitten einer Krise der öffentlichen Gesundheit sei eine direkte Reaktion auf die jüngsten Weltereignisse. Tatsächlich gab es Workshops, die die Grundlage des Stücks bildeten, eine Idee von Rylance und Regisseur Tom Morris (Co-Regisseur von „War Horse“), bereits vor der COVID-19-Pandemie. Dennoch verleihen die Ereignisse der jüngsten Geschichte einer bereits wichtigen Geschichte, die hier von Stephen Brown und Rylance dramatisiert wurde und in der Mitte des 19. Jahrhunderts spielt, eine beträchtliche Perspektive.

Als er im Haus des Arztes in Ungarn ankommt, nachdem er Semmelweis elf Jahre lang nicht gesehen hatte, bitten ihn zwei ehemalige Kollegen, nach Wien zurückzukehren, um seine Erkenntnisse aus all diesen Jahren auf einer medizinischen Konferenz erneut vorzustellen. Seine entschiedene Weigerung deutet auf unerklärliche Geheimnisse hin, ein Sachverhalt, der durch die Verwirrung seiner geduldigen Frau (Amanda Wilkin, in einer weitgehend undankbaren Rolle ohne Subtext) bestätigt wird. Als Semmelweis‘ Frau zu begreifen beginnt, dass ihr Mann ihr die Wahrheit über sein Leben verheimlicht hat, beginnt das Stück mit der Aufdeckung der Gründe für die Unterdrückung seiner Entdeckung der lebenswichtigen Rolle der medizinischen Hygiene bei Infektionen (bevor Louis Pasteur Bakterien entdeckte und benannte). ) und die Ereignisse aufzudecken, die dazu führten, dass er die Stadt in äußerster Schande verließ.

Von da an wechseln wir zwischen sorgfältig inszenierten Rückblenden, die mit einer Rückkehr in die Gegenwart unterbrochen werden, damit seine Frau weitere Fragen stellen kann, um mit den gespielten Szenen aus der Vergangenheit fortzufahren. Dies, zusammen mit dem Eigeninteresse der Gesundheitsbehörden und der hartnäckigen Weigerung, Semmelweis' düstere Warnungen zu akzeptieren, lässt das Stück wie eine unangenehme Mischung aus Ibsens „Ein Volksfeind“ und Peter Shaffers „Equus“ wirken.

Und wie „Equus“, das im wahrsten Sinne des Wortes von pferdespielenden Schauspielern animiert wurde und ebenfalls kein Krimi, sondern ein „Warum hat er?“ ist, baut Morris Bilder, oft schwerfällig, in die erklärende Handlung ein, indem er einen Wirbel hinzufügt nicht-wörtliche Leistungselemente.

Mitglieder eines weiblichen Streichquartetts schalten sich immer wieder ins Geschehen ein und spielen Ausschnitte aus Schuberts „Der Tod und das Mädchen“ (wohl zu aufdringlich) und eine wehmütige Partitur von Adrian Sutton. Damit ausgestattet und mit der Choreografie der ehemaligen New York City Ballet-Tänzerin Antonia Francheschi dringen Tänzer, oft in eleganten, langen weißen Tutus, die an Balanchines berühmte „Serenade“ erinnern, in das Geschehen ein. Semmelweis‘ Entdeckung entstand aus seiner extremen Besorgnis über die schrecklichen Sterblichkeitsraten von Müttern in der Entbindungsstation des größten und berühmtesten Krankenhauses Europas, und die Tänzer stellen sowohl die Geister von Frauen dar, die nach der Geburt starben, als auch Semmelweis‘ zunehmend abgelenkte, wütende Haltung und gestörter Geisteszustand.

Semmelweis ist tragisch, weil sein Charakter und sein Verhalten zwar ehrwürdig, aber immer unsympathischer werden, was zu seinem Tod führte. Es ist ein Widerspruch, den Rylance mit dynamischer Wirkung ausnutzt. Da er keinen politischen Rückhalt in seinem Körper hat, ärgert sich Semmelweis darüber, dass seine Entdeckung nicht umgesetzt wird – ein Verhaltensmuster, das zu einer persönlichen und öffentlichen Katastrophe führt. Der Kopf seiner Figur rast schneller als sein Mund, der Schauspieler, der zittert, stolpert, um sich schlägt, macht die Leidenschaft des Mannes und seine erschreckend getriebenen Gedanken lesbar. Er ist der ideale Schauspieler, um Semmelweis‘ strengen Geist zu vertreten, der die Medizingeschichte verändert hat, und um gleichzeitig die Fallstricke des unerschütterlichen Absolutismus aufzuzeigen, der ihn alles kostet.

Aber trotz der edlen Bemühungen der umliegenden, fleißigen Besetzung hat fast niemand sonst in dem allzu flach geschriebenen Stück außer der Darstellung viel Leben. Die Ausnahme bildet Pauline McLynns tapfere, normalerweise übersehene Krankenschwester, die sich Semmelweis anschließt und an einem Punkt in der Geschichte Handlungsfähigkeit findet, an dem – wie uns das Drehbuch immer wieder mitteilt – Frauen keine Entscheidungsfreiheit hatten.

Es gibt lebendige Momente der Entdeckung und vor allem die markanten kollektiven Gesten am Ende jedes Aktes, bei denen Idee, Inszenierung und Ausführung zu einer dramatischen Wirkung verschmelzen. Aber allzu oft gibt es hinter Rylances Arbeit und der Pyrotechnik der Produktion zu wenig, an dem man sich festhalten kann, außer dem Nacherzählen einer Geschichte und den selbstbewussten Ankündigungen des Drehbuchs über die Resonanz seiner Ideen. So wichtig sie auch sind, ihr Mangel an Drama lässt sie verwelken. Rylance ist wie immer magnetisch, aber selbst Morris‘ Inszenierung kann nicht darüber hinwegtäuschen, dass der Schauspieler sich eine bessere Rolle als ein Theaterstück ausgedacht hat.